Новый художественный театр из Челябинска представил в Вологде спектакль по роману Достоевского «Бесы»

Новый художественный театр (НХТ) побывал в Вологде по приглашению режиссера Камерного драматического театра Якова Рубина проездом, возвращаясь домой с фестиваля в Сергиевом Посаде. Театры «знакомы» по фестивалю-лаборатории «CHELoВЕК театра», проходящему в Челябинске с 2013 года. Вологодскому зрителю представлен уникальный материал – третья часть эпического театрального проекта «Бесы» по одноименному роману Достоевского. Спектакль – лауреат международных театральных фестивалей (Международного фестиваля камерных спектаклей по произведениям Ф.М. Достоевского, Международного театрального фестиваля «Сцена» и др.). Работа над ним шла в течение нескольких лет, с 2006 по 2009, и сначала три его части игрались отдельно. Сейчас челябинские зрители смотрят семичасовой спектакль целиком, проводя в театре практически всё воскресенье – это напоминает о традициях древнегреческого театра. И не только это – на сцене присутствует «хор», который дает песенный «комментарий» к судьбам действующих лиц и участвует в действии, следя за происходящим и выражая интерес взглядом, мимикой, мимолетным движением.

С первых минут спектакль настраивает зрителя на активный диалог – актеры выходят на сцену и садятся в два ряда прямо напротив, смотря в зал. По ходу действия из «хора» выделяются отдельные герои. Полифония романа Достоевского (а режиссер Евгений Гельфонд разделяет идеи культуролога и литературоведа Михаила Бахтина, предложившего этот термин для описания «многоголосия» его прозы) находит реальное выражение в динамичных диалогах, порой остро лирических, порой бурных и полных драматизма.

Действие третьей части построено на тексте последней главы романа («У Тихона»), не вошедшей в канонический вариант текста из-за сцены растления ребенка. До сих пор она публикуется только в приложениях, хотя сам писатель считал ее главным смысловым звеном «Бесов», ключом к пониманию главной идеи романа. Страшный в своей откровенности монолог Ставрогина становится кульминацией действия, и тут разлад в его сознании воплощается на сцене буквально – «его голосом» говорят три актера, подхватывая друг у друга фразы, толкающие и сбивающие друг друга. В спектакле не случайно дважды повторяются слова из Апокалипсиса: «Знаю твои дела; ты ни холоден, ни горяч; о, если бы ты был холоден, или горяч! Но, как ты тепл, а не горяч и не холоден, то извергну тебя из уст Моих». Всякому ли раскаявшемуся даруется прощение? Почему с точки зрения церкви самый страшный преступник, раскаявшийся в своем преступлении, ближе к Богу, нежели тот, кто считает, что ему не в чем каяться? Есть ли спасение из бездны греха, гордыни и отчаяния? Над этими вопросами бьются на протяжении всего действия Ставрогин и отец Тихон, втягивая в круговорот напряженного спора то одного, то другого участника «хора».

Спектакль Челябинского театра далеко не камерный (на сцене одновременно присутствуют 16 актеров), но он органично вписался в пространство сцены КДТ. По словам режиссера Евгения Гельфонда, главное здесь – не размер театральной площадки, а то, что театры близки по духу. Сближает их и минимализм декораций, говорящий о том, что главный акцент делается на смысл и слово. «Для меня точка отсчета и одновременно итог – это артист, работающий на сцене, – говорит Евгений Гельфонд. – Личность артиста – главное в театральной постановке. Я, режиссер, – инициатор процесса, но чтобы он шел, мне важна точка зрения актера. Мне не хочется видеть на сцене застывшие формы – нужно видеть то, что происходит здесь и сейчас. Самый важный момент для меня – чтобы актеры существовали в диалоге с материалом и с автором. Можно быть с автором несогласным, можно иметь к нему вопросы и претензии, но именно это и дает ощущение живого взаимодействия».

С тем, как работает его режиссерский метод, Евгений Гельфонд познакомил артистов вологодских театров в ходе занятий в Театральной лаборатории «Симпозиум» по развитию импровизационной актерской техники. По словам режиссера, импровизация – не самоцель, а то, что помогает артисту присутствовать на сцене в реальном времени. Не повторять заученный текст и заданные режиссером формы, а уметь сделать шаг в сторону, чтобы «набрать воздуха» и раскрыть тему с какой-то новой стороны.