Александр Варенцов: горизонты мастера
«Чем больше делаешь, тем больше понимаешь, что горизонт-то все отодвигается и отодвигается»
В Новгородском центре современного искусства в центре «Диалог» открылась ретроспективная выставка заслуженного художника России, действительного члена Петровской академии наук и искусств «Александр Варенцов: вчера и завтра», посвященная предстоящему юбилею мастера. Об этой и будущих выставках, о красоте в живописи, поисках авторского стиля и о многом другом мы говорили с юбиляром.
– Александр Алексеевич, готовя нынешнюю выставку, что вы хотели сказать тем людям, которые придут ее смотреть?
– Мы стремились показать те работы, которые мало показывались, а некоторые вообще нигде не выставлялись. Мы хотели, чтобы люди, следящие за тем, что происходит в искусстве, увидели работы разных временных периодов. Там два больших раздела: один – очень ранние работы, начиная с моего 18-летия, второй – поздние. Я на протяжении прошедших лет многими проблемами занимался, изучая то, что открывала мне природа и что было мне интересно в разные периоды жизни.
И есть большой пласт работ, которые мы готовимся показать в этом году на предстоящих выставках.
– Ваши поздние работы, как мне показалось, более яркие, светлые, чем те, что написаны в молодости.
– Во-первых, это связано с мироощущением. В молодости мироощущение всегда беспокойное. Во-вторых, дело в неумении. Да, ты умеешь рисовать, писать, но есть какие-то моменты, которые трудно выразить, которые еще не понятны. А в-третьих, протест – у меня в юности было очень много протестного: например, то, что я видел на выставках, что делали другие художники, мне так делать не хотелось. А как делать по-другому? Для того чтобы понимать, как ты хочешь писать, надо в это влезть, надо разобраться и пытаться делать, как ты чувствуешь и как получается.
На выставке видно, как шли поиски решения каких-то проблем, что у меня получалось, что не получалось, и как в результате появился язык, на котором я могу более свободно говорить.
– Были у вас периоды подражания тому или иному художнику?
– Подражания не было. Были, как я уже сказал, профессиональные проблемы, в которых я пытался разобраться, работая с натурой. Тогда я обращался к опыту других художников, к методам, которые они открыли и которые сейчас являются школой для художников. Например, был период, когда у меня не очень получалось передать состояние природы. Меня это заинтересовало, и я научился писать и туманы, и восходы солнца, и закаты – любое состояние передавать. В другой период времени я решал проблему, как передавать то, что промелькнуло. Это нехарактерно для меня, я другой художник. Но поскольку заинтересовало, научился передавать оттенки и пластику дождей, снежной пурги, морозного неба.
Много чисто профессиональных проблем, которые я изучал: различные виды перспектив, логику формообразования, цвет и свет в живописи и многое другое, все это в более поздних картинах синтезировалось в то, что называется авторский стиль.
– На выставке представлены разные жанры, в которых вы работаете, – пейзаж, натюрморт, портрет. Но считаетесь мастером пейзажной живописи.
– Современный художник, если он не пишет пейзаж, то все остальное у него, на мой взгляд, выглядит либо подражательным, либо неким анахронизмом. Пейзаж учит художника видеть и выражать окружающий мир по-своему.
– В рамках выставки заявлена дискуссия, где слово «портрет» стоит рядом со словом «кризис». Искусство портрета переживает кризис?
– Скорее, недостаточность к нему внимания. Сейчас больше пользуются фотографией, особенно в быту. Хотя в последнее время интерес к живописному портрету растет. Несколько лет назад китайский галерист очень заинтересовался увиденными в наших мастерских портретами и предложил сделать большую выставку. Более 100 работ – моих, Светланиных (супруга художника. – прим. автора) в жанре портрета были выставлены в Харбине. Мы назвали эту выставку «Граждане России», она прошла с успехом, получила много хороших отзывов.
Портрет – серьезное дело, и, я думаю, он как жанр будет развиваться.
– Однажды вы сказали, что формат, в котором вы сейчас работаете, – частная мастерская-музей – это именно то, о чем вы всегда мечтали.
– Здесь у нас есть определенная свобода. Делаем выставки своих картин и произведений других художников. На творческие занятия сюда люди приходят для познания, и я могу им помочь. Помочь им максимально раскрыться как личности. Вот это я считаю задачей школы искусства.
Вообще, я сторонник средневековой школы, где обучение велось от ремесла к искусству. У нас в учебных заведениях учат рисовать, писать, компоновать, но порой студенты, выходя из института, не знают технологий – не умеют ни сделать подрамник, ни загрунтовать холст, не понимают того, что картина строится изнутри наружу. И если человек не знает технологии процесса, он в полной мере не понимает, что такое картина, ее содержание и назначение. Поэтому мы учим искусству с основ.
– Есть главное, что вы говорите всем, кто приходит к вам учиться?
– Главное – много работать. Это 99% успеха. Если человек мало работал, откуда он знает, какие у него способности. И я не знаю. Это не значит, что способностей нет. Другое дело, что одному человеку нужно больше времени, чтобы они проявились, другому – меньше. Все, что связано с изобразительным искусством, оно нарабатывается.
– О чем вы мечтаете?
– Как можно дольше пожить и как можно больше сделать. Художники – люди по природе жадные, хочется больше успеть. И поэтому, если у тебя несколько шкафов нереализованных эскизов, ты от этого страдаешь. Часто спрашивают: а есть что писать? Да писать-то – громадье. Главное, чтобы время было.
Чем больше делаешь, тем больше понимаешь, что горизонт-то все отодвигается и отодвигается, и больше открывается. И ты чувствуешь, что знаешь и понимаешь пока немного. И чем больше понимаешь, тем больше предстоит понять и большему открыться.
– Вы обмолвились о ваших выставках, еще предстоящих.
– В декабре в музее Десятинного монастыря будет большая выставка. А вот сейчас у нас в галерее мастерской-музея делаем выставку – будем говорить об импрессионизме и пленэризме. Интересно? Приходите!
Людмила САВЕЛЬЕВА
Анна БОЧАРОВА /фото/
НАША СПРАВКА
Александр Варенцов родился 2 июля 1949 года в поселке Выползово Калининской (Тверской) области. С шести лет живет в Новгороде. В 1971 году окончил художественно-графический факультет Ленинградского государственного педагогического института имени А. И. Герцена.
В 1973 году по инициативе А. Варенцова в Новгороде была создана первая в области детская художественная школа, директором которой он был на протяжении 19 лет.
А. А. Варенцов – автор учебных программ по художественному образованию для детей и юношества.
Дважды избирался в городской Совет народных депутатов, добился создания факультета архитектуры и искусства в Новгородском университете, областного Центра художественного творчества, картинной галереи, музея современного искусства в Десятинном монастыре (сейчас это Государственный музей художественной культуры Новгородской земли).
С 1971 по 2018 год прошло более 35 персональных выставок А. Варенцова в Новгороде, Санкт-Петербурге, Москве, Пскове, Витебске, Таллине, Харбине и т. д. Участник многочисленных региональных (Сыктывкар, Новгород, Мурманск, Киров, Вологда) и международных (Германия, Норвегия, Австрия, Франция, Испания, Швеция, Эстония, Италия, Китай, Греция) выставок. Произведения живописца хранятся в фондах музея Академии художеств России, Новгородского государственного музея-заповедника, в музеях Пскова, Плеса, в частных коллекциях в России и за рубежом. С 2011 по 2016 год художник провел более 10 выставок в различных городах КНР, представлял российское искусство на Форуме русской живописи в Харбине в 2015 году.
Ежегодно уже более 20 лет руководит пленэром «Мастерская реалистической живописи», где делится богатым опытом живописи с новыми поколениями педагогов-художников.
В 2014 году вместе со своей женой художником, искусствоведом Светланой Акифьевой создал первый частный художественный музей, частное учреждение «Мастерская-музей реалистической живописи Александра Варенцова».