Diego Céspedes, cineasta: “Venir desde una clase social baja hace que las historias se cuenten de manera distinta”

En medio del desierto, donde el viento levanta polvo y las distancias parecen infinitas, una niña observa el mundo con ojos diferentes a los adultos que la rodean. No hay prejuicio en su mirada. Solo la certeza de haber sido querida por las mismas personas que el resto juzga con hostilidad.

Ese es el punto de partida de “La misteriosa mirada del Flamenco”, la celebrada ópera prima del cineasta chileno Diego Céspedes que es descrita por el mismo artista como una historia que cruza ternura, violencia y memoria para hablar de aquello que, durante años, permaneció en silencio.

Pero antes está la vida del propio director, que hoy, con apenas 30 años, se abre paso entre festivales internacionales y salas nacionales con una propuesta que cruza lo íntimo y lo político. “Venir desde una clase social baja hace que las historias se cuenten de manera distinta”, afirmó Céspedes, entregando una clave fundamental para reflexionar su cine.

Durante el último año, la película —que fue seleccionada para representar a Chile en los premios Oscar— ha tenido un recorrido que combina reconocimiento internacional y recepción local. “Tuvimos el primer fin de semana de la peli y le fue súper bien. Recibimos los números y estamos muy contentos”, comentó el cineasta, en medio de días agitados por la promoción del filme.

Una agenda que, de hecho, no ha parado desde el 2025, cuando el chileno y su equipo se alzaron como uno de los grandes ganadores del Festival de Cannes al hacerse de la Palma de Oro en la categoría “Una Cierta Mirada”, la segunda más importante del certamen.

“Cuando quedé seleccionado no podía creerlo“, sinceró sobre la primera parte del proceso. “Y cuando ganamos ni siquiera lo pensamos. Normalmente, los festivales te dicen que ganaste algo, pero no qué, para asegurarse de que estés en la sala. Pensé que nos iban a dar una mención bacán y eso ya era soñado. Llegamos, nos sentamos, y pasaban uno por uno los premios, hasta que quedaba el último. Y de repente llega la presidenta del jurado y empieza a hablar sobre la película ganadora. Ahí fue cuando me di cuenta y dije ‘esta es nuestra'”, confidenció sobre ese momento.

“Ha sido un año de promoción por todo el mundo: Corea, Australia, San Sebastián, muchas partes de Francia, Estados Unidos”, enumeró. Un trayecto que contrasta con las dificultades estructurales de la industria, especialmente en instancias mucho más mediáticas como los Oscar. “Si no tienes plata es muy difícil ser visto… Los premios tienen una campaña involucrada”, señaló, matizando que las nominadas “son importantes, pero no son las mejores películas”.

Abrazar desde las infancias

Ambientada en el norte del país, la historia sigue a Lidia, una niña de 11 años que creció en una comunidad disidente que ha construido su propio espacio de afecto en condiciones adversas. “Es criada en medio del desierto, en una cantina que un grupo de maricas y travestis y todo lo diferente creó para sobrevivir ahí, y la criaron en realidad con mucho amor y mucha ternura”, explicó el director. Sin embargo, la llegada de una enfermedad —y los rumores que la rodean— desatan el conflicto. “Empiezan a decir que se transmite cuando un hombre se enamora de otro a través de la mirada”, puntualizó.

Así, la película se mueve entre lo simbólico y lo brutal, tensionando el miedo, la ignorancia y la violencia social. “Empiezan a culpar a esta familia y Lidia tiene que poner la cara y entender si el amor que le habían entregado se pone en cuestión o no”, agrega.

Y por supuesto que la elección de contar esta historia desde la infancia no es casual. “Los niños son los que ven un mundo sin prejuicios… lo importante es si me cuidó o no me cuidó, si me dio amor o no”, sostuvo Céspedes. En esa mirada, despojada de construcciones adultas, se instala una forma de narrar que permite empatizar desde lo esencial.

Una sensibilidad que también tiene raíces profundas. Esto, ya que parte del relato se nutre de experiencias personales marcadas por el desconocimiento y el estigma en torno al VIH/SIDA. “Mis papás tenían una peluquería. Trabajaban con chicos gays y todos murieron de sida”, recordó. “Cuando fui creciendo era una historia terrible. Yo sentía que era algo horrible”, agregó el artista. Con el tiempo, esa percepción se transformó en una necesidad de comprender y contar. “Era una historia que todavía permanecía en mi cabeza”.

A eso se suma una memoria de barrio, de infancia, de observación silenciosa. “Me acuerdo mucho de una travesti que pasaba llorando en las noches de la población. En ese minuto no lo entendía”, dice. Hoy, esa escena adquiere otro sentido: “Vas comprendiendo el corazón, las identidades, y se te abre un mundo distinto que sentía la necesidad de contar”.

Sin embargo, y lejos de construir un relato únicamente desde la dureza, la película apuesta por un tono que mezcla cercanía y afecto. “Se van a encontrar con una historia muy tierna. La van a disfrutar como si estuvieran comiendo con su abuela, los chistes que nos decimos en la mesa”, explicó. En esa cotidianeidad y ese humor incluso incómodo, se sostiene una resistencia que no es grandilocuente, sino profundamente humana.

“Esta ternura se enfrenta a la violencia, como siempre. Pero también sobrevive y resiste, como las disidencias y las clases populares chilenas, que es creando familia, estando una para la otra”, afirmó.

Esa tensión entre forma y contenido también define su propuesta artística. “Es hablar de nuevo a la clase popular sin perder una forma, una estética, una propuesta… creo que las dos cosas van de la mano y eso hace que el arte siga vivo”, sostuvo.

Por todo lo anterior es que el llamado final del cineasta es a acercarse a las salas y compartir esta instancia colectiva: “No la vean en el computador. Tengan la experiencia completa: el sonido está increíble, la música está increíble, está hecha para la pantalla grande”, cerró.